浅析对声乐作品的选择及二度创作
时间：2022-11-14 来源：博通范文网 本文已影响 人 
摘 要：学习新的声乐作品是对作曲家的作品进行二度创作的首要环节。能否让作品焕发第二次生命取决于学习者在学习过程中的诸多因素。在声乐学习和声乐教学过程中，笔者发现有一些学生学习效率低，缺乏独立演绎新作品的能力，文章中将就上述问题进行阐述。
关键词：声乐作品学习 ；二度创作
中图分类号：J616.2 文献标识码：A 文章编号：1004-2172（2011）02-0141-02
在演绎一首新的声乐作品的过程中，诸多环节均会影响演唱者的演唱效果。
一、选曲的重要性
每个人的演唱水平各异，在选曲上就要谨慎。选择歌曲必须是先易后难，在自己现有的歌唱能力范围内选择曲目。这样有两个好处：一是易于理解歌曲的内容；二是在技巧上比较容易达到，从而增强自信心。小作品没有那么大的音域跨度，并且字间变化相对简单，所以从难度较低的作品开始学习对于一个要真正学习歌唱的人来说才是比较正确的。
在现在这个科学发达的社会里扩音设备很多也非常先进，我们的耳朵已经慢慢习惯了大的音响效果，在歌唱上很多人都去追求大的音量，其实这是个误区。真正好听的声音不在于只有大的音量，而是需要静下心来，去揣摩应该采用什么样的音色，并调整音色与音量，使两者相互匹配。有的人认为自己的嗓子条件好，一开始学习就要唱歌剧咏叹调和音域跨度特别大的歌曲，认为高音就是一首歌的全部，只要高音喊上去了，就具备完成同等程度曲目的能力了；再加上社会上存在一些诸如“声乐速成班”、“三个月教你唱High C ”等等花样百出的培训班误导了人们的概念，认为歌唱是很容易速成的。其实在歌唱程度很低的时候就唱技巧性很强的曲目是非常不恰当的，因为初学者缺乏对歌唱的全面理解，容易过度用嗓而缺乏对基本功的训练，由此养成不健康的歌唱习惯。
歌唱习惯是日积月累形成的。我们的肌肉是有记忆的，一旦养成不好的习惯则需要很长的时间来改正。形象地说就是别人用正确的方法往前走，学得不对的人则是往反方向走，要改正过来就需要从错误走到零起点再往正确的方向走，这样就会花费我们很多的时间和精力，并且反反复复容易让人产生挫败感，导致放弃学习声乐的念头。 另外，同一首曲目很难适合所有声部演唱，因此也要清楚自己的声部来选定曲目，清晰地了解自己属于什么声部，什么样的曲目是自己声部的范畴。比如中国早期艺术歌曲中的《问》、《清流》、《花非花》、《叫我如何不想他》、《红豆词》、《二月里来》、《月之故乡》等艺术歌曲适合所有声部的初学者学习，并且也可以作为有一定程度者的练声曲。在外国作品的学习中，以笔者个人的学习经验来说，不主张一开始就学习歌剧咏叹调，不管是初学者还是学习了一段时间具备演唱较难曲目能力的人，其实都应该好好地把欧洲早期的音乐拿来学习。因为提高自己演唱水平的最佳方法是沿着声乐本身发展的道路去积累，特别是巴洛克时期的作品。
巴洛克艺术产生于17世纪初进入18世纪后逐渐衰落。巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有庄严宏伟的特色，既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，强调艺术家的丰富想象力;三是它很关注作品的空间感和立体感，强调艺术形式的综合手段；巴洛克艺术还吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；最主要的是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导地位。这个时期出现很多技巧高超的作曲家，他们一般都是为教堂和宫廷作曲，他们的声乐作品有的曲目短小，非常适合初学者。此类音乐虽然篇幅不长，但是想把它的风格唱好就必须查阅那个时代的历史背景及音乐风格特征；甚至细到读这个时期音乐家的传记，进而去了解、掌握这个时期声乐作品的演唱风格，由浅到深去学习。曲目上可以从卡奇尼（G•Caccini）的《阿玛丽莉》到蒙特威尔第（Monteverdi Claudio,1567-1643）的作品以及A•斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）的《别再使我痛苦迷茫》（O cessate di piagarmi）等。然后再是亨德尔及古典主义时期的作品。基础学习包括在涉猎大量早期声乐曲目时对音乐史及音乐风格的把握，然后是声乐歌唱中声音概念的把握。这个学习环节对一个热爱声乐艺术的人来说是必须经历的，如果这一课没有学或是没有学好，哪怕是走到后面也需要回过头来“补课”。
最基础的东西最重要，往往也是最容易被人们忽视的部分。大家都喜欢难度高又好听的歌，殊不知唱好一首看起来平淡无奇的小歌却是最考功夫的。在拿到一首新曲目时，首先仔细读谱，尊重作者的每一个表情记号，所有的处理都要合理，不可以只看自己声乐这一部分的旋律，还要熟悉伴奏，通过歌词的断句、逻辑重音与音乐的对置，歌词与节奏型的对置，对谱子进行必要的标记。自己先在心里唱，去计划整个曲目在歌唱中气息和力度如何科学分配，哪里该怎么用嗓，哪里用什么样的音色去诠释作品，不能随心所欲。如果你是一个职业歌手，不管你声音唱出来有多么的漂亮，不尊重作者和作品，节奏很乱的话就不可能与这个甚至其他指挥再有合作的机会了。因此笔者想强调的是，一个歌者应具备的最基本的素质是音乐基础，要肯下功夫去悟，愿意静下心来做案头工作，仔细分析作品，而分析作品不仅仅是曲式的分析，因为一首新作品，二度创作很重要。作为歌唱家，拿到一首歌不仅必须立刻知道应该怎么唱，而且还要能根据自己的特点进行“设计”和“润色”。不少歌曲光看谱的时候，有人会说“这首歌很一般啊”，我的回答是：任何歌曲在平铺直叙的情况下都一般，因此每首歌都必须加以“设计”，或激情，或温柔，在开口之前就知道自己要达到什么效果，加了语气之后，一首歌就完全不同了。
大家都知道歌剧曲目演唱要求每个乐句要非常连贯，包括句子之间的衔接都要像没有断开呼吸一样，因为只有这样连贯的大线条才能保持人声能穿过乐池传到观众的耳朵里，并且这与欧洲声乐的历史有关。它起源于教堂音乐，追求的是空间感和有层次的乐音效果，是听振动后的泛音，而恰恰不是中国人习惯听的振动那一瞬间的音响效果。所以在演唱中国歌曲的时候，不能完全像唱咏叹调那样，而是要敢于换气，并且以乐句为单位，唱完一句再起下一句，一句一句的交代给听众，在逻辑重音和动词上要敢给气息，这样唱着舒服，观众听着也很舒服，也符合中国大众的审美习惯和标准。
二、声乐表演二度创作的重要性及步骤
同样是用美声唱法唱歌，发声方法都一样，就是因为曲目的不同风格，我们才需要细细琢磨背后的东西，这往往也是人们常说的案头工作。希腊著名歌唱家玛利亚卡拉斯只要没有演出，几乎每次在钢琴上呆8个小时，但听不到她发出一丁点声，为什么？因为她在做比唱更重要的功课：分析乐谱，理解人物。
学习一首从来没有学过的新歌，正确的步骤是首先从了解作品的内容入手，先了解作品创作的时代背景、作者写作的动机和缘由，即对作者的了解和相关作品的了解；第二步是了解曲作者，阅读他的传记，分析整部音乐；之后再对整个唱段进行音乐分析，包括伴奏部分。同时还应尽量参考及欣赏这位作曲家另外的作品；第三步先打节奏，按音乐规定的节奏朗诵歌词。郭兰英曾说过“节奏是音乐的骨骼，音高是音乐的肌肉”；第四步用低八度按每个字的空间去念字，因为语言是有生命的，字念得好可以调整声音。吐字的声母和韵母同样重要，字头可以帮我们找到位置，字尾又可以帮们保持位置；最后才是老师给学生介绍作品的风格，而不是去随便找一个人唱的版本就拿来听，这是既不尊重自己也是不尊重作者的表现。
在刚开始的时候觉得学新歌来得特别慢，因为难的是节奏不是音高，因为节奏必须精确。所有的音乐都需要精确的计算和反复的练习，到了舞台上才能做到游刃有余。
责任编辑：李姝
参考文献：
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A Brief Discussion on How to Choose and Recreate Vocal Music Works
Wu Lihong Xiang Chenzi
Abstract：This article includes discussions concerning several problems in learning new vocal music works, such as, lowefficiency, lacking in ability to interpret them and so on.
Key words：to learn new vocal music works; recreation
